¿Se puede vivir de la música en el Siglo XXI?

Darker Music Talks Barcelona (black)
Aquest és un resum de la conferència que vaig impartir la setmana passada, divendres 18 de juliol de 2015, a l’escola SAE, en el cicle organitzat per Darker Music Talks, sobre el negoci de la música

Subtitle:

El negocio de la música, situación actual, perspectivas de futuro, experiencias personales

1.-Mi experiencia personal

Quiero agradecer en primer lugar la invitación de Darker Music para impartir esta conferencia. Mi primera reacción cuando me lo propusieron fue decir que NO. Sólo hace dos años que me dedico profesionalmente (aún a tiempo parcial) a este negocio de la música y de momento apenas he aprendido lo que NO hay que hacer. Pero cuando me llegó la propuesta pensé que alguien debía de estar pensando que estaba haciendo bien alguna cosa. Y esto, hoy en día, en el siglo de las redes sociales y la comunicación, ya es muy importante, pues forma parte del proceso hacia el éxito de cualquier proyecto. Es un requisito necesario pero no suficiente. Si no hay nada detrás, se derrumba como un castillo de naipes. Así pues, decidí aceptar la invitación, aún sabiendo que no tengo recetas mágicas para triunfar en la música, pero constatando a la vez que la preparación de esta charla me permite reflexionar sobre lo que hago y compartirlo con otras personas aquí presentes o a través de Internet y construir poco a poco un nuevo modelo alternativo al sistema tradicional en el que todavía está instalado, por desgracia, el sector empresarial de la música popular.

Debería empezar por exponer brevemente mi curriculum y experiencia personal en el campo de la música.

PORFINVIERNES LUZ DE GAS
Porfinviernes en Luz de Gas

He hecho muchas cosas y muy distintas en mi vida, pero la música siempre me ha acompañado, de formas diferentes. Soy licenciado en Derecho y Periodismo, y Master de ESADE en dirección pública, aunque desde que nací he estado vinculado de alguna manera a la música. Como periodista he presentado programas de música en radio y televisión. Tengo estudios básicos de solfeo y guitarra española, toco la guitarra y canto desde los 13 o 14 años con amigos o en grupos de aficionados y desde 2005 hasta 2012 formé parte del Grupo PORFINVIERNES, MUSICA SOLIDARIA, una banda de músicos aficionados que nos dedicábamos a versionar temas conocidos del poprock internacional, siempre con motivos benéficos y sin ánimo de lucro (Guitarra y voces) (http://www.porfinviernes.es)

En uno de los últimos conciertos antes de dejar PFV, en una escuela de Barcelona, conocí al grupo Urban Lights  (www.urbanlightsmusic.com) que entonces empezaba a caminar en el mundo de la música tras ganar un concurso de bandas emergentes en la Universitat Pompeu Fabra. Después de unos primeros contactos, y fascinado por su música, me convertí en su manager y unos meses después fundé Cave Canem Arts, S.L., una pequeña agencia que trabaja en el campo de la música y la comunicación ofreciendo servicios integrales de asesoría jurídica en el ámbito artístico, management, booking, comunicación y marqueting, redes sociales, organización de conciertos y edición musical. Estoy intentando comprobar por mí mismo si se puede vivir de la música hoy en día. De momento no lo he conseguido, aunque tampoco me he arruinado, que ya es mucho, pero seguiremos luchando… Por suerte sigo teniendo trabajo como abogado y lo compatibilizo con otras actividades.

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Urban Lights Team

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Urban Lights en Luz de Gas

En mi vida profesional he ocupado cargos de responsabilidad directiva en el gobierno de la Generalitat de Catalunya, en el campo de la coooperación internacional dentro del sector privado, soy profesor de comunicación y propaganda política en la Universidad Abad Oliba de BCN y he sido Consejero y Presidente del Consejo de Administración de la Corporación RTVE. Colaboro desde hace años en diversos medios de comunicación, actualmente con el programa 8 al dia de 8TV dirigido por Josep Cuní, y el Matí a 4 Bandes de RNE-Ràdio 4, dirigido por Toni Marín. Escribo sobre música y comunicación en mi web www.cavecanemjmsilva.com

Es un momento difícil para la música, es una obviedad. Y no sé si lo peor ya ha pasado, pero la crisis nos ha dejado, también en este sector, sin clase media: o estás arriba del todo (en términos relativos en función de tu target y el área geográfica en la que te mueves), lo que representa quizá como mucho el 1 ó el 2% de los artistas (que seguramente se llevan,  ellos y su entorno, más del 90% de los ingresos que se generan) o estás abajo y eres del 98% que (mal) viven de esto y lo combinan con otros trabajos mal pagados e inseguros, pero siguen intentándolo por vocación ( o simplemente porque se lo pasan bien y con eso ya tienen suficiente).

Así pues, la respuesta a la pregunta ¿se puede vivir de la música en el S. XXI?, la respuesta debería ser NO. En mi caso concreto diría que de momento tampoco estamos perdiendo dinero y reinvertimos una parte de lo que generamos, lo cual ya es un éxito y permite ser optimistas moderados de cara al futuro. Ahora bien, si eres Beyoncé, la artista mejor pagada del momento, la respuesta es SÍ, se puede, y muy bien. ¿Es fácil? NO, es muy difícil.

¿Imposible? NO, pero lento, muy lento, si va muy rápido, entonces seguro que no funciona. Ya no hay carreras fulgurantes que duran toda una vida, en todo caso hay a veces artistas de un solo HIT que desaparecen al momento y ni siquiera pueden vivir de ello el resto de su vida. O sea, que lo primero a tener en cuenta es PACIENCIA Y TRANQUILIDAD; SI TIENES PRISA BUSCA OTRO NEGOCIO: SI TU VIDA DEPENDE DE ELLO; SI ES EL SUEÑO DE TU VIDA Y NO TIENES PLAN B, mejor no sigas, o prepara un PLAN B. Y desde luego, si no tienes talento, no hay nada que hacer…

2.- El Talento en la música: El talento y la creación artística en el ámbito musical. La música es, dentro de las artes, una de las disciplinas artísticas más completas, ya que puede incluir habilidades muy distintas entre sí:

LEIBER STOLLER Y PREYSLER
Jerry Leiber, Elvis Presley & Mike Stoller

A)  Escribir letras, para otros artistas, como Jerry Leiber, uno de los letristas más famosos de los 50 y 60, murió en 2011. Con su socio durante 60 años, Mike Stoller, compositor, firmaron numerosos éxitos para Elvis Presley, Charles Brown, Ray Charles, Rolling Stones, B.B. King, James Brown, Little Richard, The Beach Boys, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Jimi Hendrix, Count Basie, Edith Piaf, Eric Clapton, John Lennon, Aretha Franklin y muchos otros. Son los autores de “Stand by Me”, un clásico interpretado por Ben E. King en los años 60 y luego por artistas como John Lennon, Jimi Hendrix y Elton John. O “Jailhouse Rock”, el rock de la cárcel de Elvis Presley

B) Componer música, Mike Stoller, socio de Leiber.

frank sinatra
Frank Sinatra

C) Cantar, interpretar,  Frank Sinatra, cantante y actor (sus compositores eran gente como Cole Porter, George Gershwin), no tocaba ningún instrumento ni componía, era “La Voz” por excelencia. Aretha Franklin, la reina del soul y del R&B. Sus grandes éxitos como “Say a little prayer” (del gran Burt Bacharach) eran de otros artistas. También tocaba el piano.

wynton marsalis
wynton marsalis
Ginger Baker
Ginger Baker

D) Tocar un instrumento, hay grandes instrumentistas : Larry Corryell, Paco de Lucía, Al di Meola (guitarristas también compositores). Wynton Marsalis (trompetista), y su hermano Bradford, saxofonista. Grandes baterías como Michael Shrieve (Santana), Ginger Baker (Cream con Eric Clapton), Stewart Coppeland (Police, autor de algún tema y luego compositor de música de películas), Keith Moon (The Who)

Lennon¬McCartney
Lennon¬McCartney
sting
Sting
Mark Knopffler
Mark Knopffler
Eric Clapton
Eric Clapton
Bruce Springsteen
Bruce Springsteen

E) Hacer todo lo anterior y hacerlo todo MUY BIEN, y añadirle la capacidad de emocionar y de destacar por encima de los demás:  Mark Knopfler, Bruce, Eric Clapton, Lennon & McCartney, Harrison, Sting: cantan, interpretan, tocan un instrumento, componen letra y música, y todo ello de manera sublime. Gente como hoy en día Bruno Mars, o Pharrell Williams, One Republic, Munford and Sons, Maroon Five, John Mayer y tantos otros…
F) Ahora bien, si buscamos en Internet y analizamos la lista de alguno de los artistas actuales que más dinero generan, vemos gente como:
• Katy Perry, cantante, guitarrista, compositora y actriz estadounidense.

Katy Perry
Katy Perry

• Shakira: cantautora, productora discográfica, bailarina, modelo, diseñadora de moda, empresaria, actriz de televisión, música, filántropa y embajadora de buena voluntad de la UNICEF colombiana. A sus ocho años, el padre de Shakira se declaró en bancarrota. Mientras se ultimaban los detalles del proceso, fue a vivir con unos familiares a L.A. (USA). Al regresar a Barranquilla, se sorprendió al descubrir que gran parte de las posesiones de sus padres habían sido vendidas; más tarde, dijo: “En mi cabeza infantil, ése fue el fin del mundo”. Para mostrarle que las cosas podían ser peores, su padre la llevó a un parque cercano para que viera los huérfanos que vivían allí. La imagen la impresionó y se dijo “un día voy a ayudar a estos niños, cuando me convierta en una artista famosa.” (Fundación Pies Descalzos). Toca algo la guitarra.

Shakira
Shakira

• Rihanna: cantante, actriz, diseñadora. Su productor es Jay Z (marido de Beyoncé, y productor también de alguno de los discos de Shakira). NO compone sus temas con alguna excepción, “Umbrella”, uno de sus grandes hits, es de varios compositores entre los cuales Jay Z.

Rihanna
Rihanna

• Madonna, cantante, actriz, empresaria, la mayoría de sus hits compuestos por otros, pero también algunos propios.

Madonna
Madonna

• Mariah Carey, cantante, compositora, productora, filántropa, aunque muchos temas producidos o compuestos por otros.
• Michael Bublé, canadiense, cantante y actor, en realidad es como un “crooner” actual. Desde los catorce a los veinte años, Michael pasó sus veranos trabajando como pescador comercial con su padre y compañeros de tripulación. Bublé describió su experiencia de trabajo como “El trabajo físico más mortal en mi vida. Nos íbamos por dos, a veces tres meses y la experiencia de vivir y trabajar entre hombres del doble de mi edad me enseñó muchas responsabilidades y lo que significa ser un hombre.” No compone, ni estudió música, aunque hay algún tema co-escrito por él.

Michael Bublé
Michael Bublé

• Amy Winehouse, para mí una de las más grandes de los últimos tiempos, cantante y compositora, aunque ya se veía clarísimo que no sería una larga carrera.

G) En realidad, si observamos las trayectorias de cada uno de ellos, además de mayor o menor talento, lo que encontramos en todos los casos es un relato, marqueting, comunicación, storytelling, un factor diferenciador (lo que se conoce como USP, un propuesta de venta única y diferente de la de los demás), un factor X. La competencia es cada vez mayor y la cuota de mercado para los que aspiran a vivir de esto es cada vez más pequeña. Así que hay que invertir mucho, a veces en escándalos, sexo, relaciones tortuosas… (Miley Cirus, Lady Gaga…). Cuesta encontrar en Internet fotos de esas divas actuando en un concierto, la mayoría son fotos sexys de estudio o en galas, reclamos de marqueting.

Se puede triunfar en cada una de esas habilidades por separado, por supuesto, pero cuantas más tengas más posibilidades, aunque en estos momentos un buen compositor de letra y música tiene muchas más posibilidades de triunfar que un artista que sólo canta, aunque sea excepcional, tal como está el negocio. Un instrumentista excelente también puede vivir más o menos bien. En realidad lo más complicado es vivir de esto para un artista o un grupo que no tenga temas propios (aunque hay grupos tributo que hacen giras internacionales) o incluso para los que los tienen, si no son de largo recorrido y su música no tiene salida internacional.

Hay que distinguir también, es un clásico, entre el éxito y la fama: son conceptos distintos. No siempre llegan juntos. No siempre llegan. El éxito es algo personal, la fama es el reconocimiento público de ese éxito. Fama sin éxito és etérea, insustancial. Éxito sin fama es poco rentable, aunque puede ser muy satisfactorio.

Luego está el marketing, la promoción, la provocación, o la belleza, cómo explotar el talento hasta la última gota, o los productos diseñados para triunfar como los One Direction, en su día las Spice Girls, mucho dinero invertido en promoción, estrategias dibujadas fase a fase.

También hay que contar con la especialización en géneros musicales. Hay música indie, folk, jazz, que no aspira a grandes ventas ni a triunfar comercialmente, aunque a veces se produce algún fenómeno extraño (Andrea Motis & Joan Chamorro, por ejemplo, aunque hay detrás años de trabajo con gente muy joven). El pop, el rock, disco, dance, el funky que vuelve como si nunca se hubiera marchado, el R&B, son “mainstream”, siempre han triunfado, ahí hay capacidad de generar negocio.

Por supuesto, si hay talento y además quieres ganar dinero, un músico necesita de alguien que le gestione el negocio, las redes, el marqueting y la imagen, el booking, que le negocie los contratos, la dirección artística… Alguien en quien confiar, que el talento se dedique exclusivamente a la música, no a otras cosas que te distraigan la atención. Los grandes artistas son también empresarios, productores, tienen líneas de ropa, merchandising, ya NO se puede vivir de la venta de discos, pero hay profesionales que gestionan todo eso en su nombre…

Modelo Beyoncé:  Hemos citado antes a Bayoncé, la artista que más ingresos genera. Cantante y compositora de R&B, productora discográfica, bailarina, modelo, diseñadora de moda, y actriz estadounidense.

Beyoncé & Jay-Z
Beyoncé & Jay-Z

Leído en Internet:

“En cuanto a los gastos personales de Beyoncé podemos destacar entre otros, regalos realizados por esta hacia su marido Jay-Z como por ejemplo un jet Bombardier Challenger 850 valorado en nada más y nada menos que 50 millones de dólares (casi 40 millones de euros) El avión es un regalo de Beyoncé hacia su marido por el día del padre. Por otro lado la artista regaló a su hija, Blue Ivy Carter, por el día de su cumpleaños, una fiesta por todo lo alto, y entre algunos de los regalos encontramos una Barbie valorada en 80 mil dólares en cuyos accesorios se incluyen 160 diamantes; unas zapatillas con cristales de Swaroski incrustados que costó más de 730 mil dólares. “La primera pareja musical billonaria”. Beyoncé y Jay-Z, marido y mujer desde Abril del 2008, y padres de una niña, Blue Ivy, son la primera pareja en el mundo de la canción que alcanza semejante cifra, siendo valorados por más de mil millones de dólares”.

Beyonce y Jay-Z
Beyonce Jay-Z

Hay quien defiende el modelo de MUSICPRENEUR, el músico que gestiona su propio negocio. Yo tengo mis dudas de que eso funcione, sinceramente. Como dice el refrán, “zapatero a tus zapatos”, y si es ya es difícil ser el mejor artista, o el mejor compositor, o el mejor batería, si además hay que autopromocionarse, saber de contratos, diseñar tu imagen, representar tus intereses, negociar en tu nombre… parece una tarea imposible de realizar.

3 – El negocio de la música: conciertos, edición, discográficas, promotores, festivales, sincros, merchandising, fuentes de ingresos. ¿Discos, CD’S? ¿Eso qué es? ¿Pagar por la música? ¡¡Pero si todo es gratis!! ¿Piratería, Internet, portales P2P, pagar por conciertos? ¡¡1 o dos veces!! ¿¿Ampliar público sin viajar??

Según el archiconocido libro del intelectual polaco Zygmunt Bauman estamos en una sociedad líquida, incluso el arte es líquido, donde todo discurre muy deprisa, se desliza. Todo es frágil, cuesta mucho construir una identidad. Pues bien, yo creo que en el mundo de la música estamos en un entorno gaseoso, donde todo se evapora a mayor velocidad que la de los líquidos. Lo posmoderno en la música ya no es sólido ni líquido, sino gaseoso. Todo va mucho más rapido que antes, el consumo y el uso, los hits no duran como antes, hay que ofrecer carnaza constantemente, no parar, alimentar la bestia, todo es gratis, ha perdido valor, por tanto hay que ofrecer mucho más que antes si quieres que la gente esté dispuesta a pagar algo por lo que ofreces.

Las compañías discográficas. Nadie compra discos entre la gente joven, o casi nadie… Quién quiere pagar por la creación artística, la gente joven ya ha nacido con esa mentalidad, será difícil de cambiar, hay que atacar las empresas que hacen publicidad en los portales de bajadas de canciones (y libros). Hay que devolverle el valor a lo inmaterial

En estos últimos días hemos conocido algunos datos recientes sobre venta de música (física y digital):

La industria musical española alcanza el ecuador del año con cifras alentadoras, según los datos de ventas correspondientes al primer semestre que el pasado miércoles presentó Promusicae (asociación de productores de música). Después de años de bajadas acumuladas en el volumen anual de ventas, los aficionados a la música en España han conseguido revertir esta tendencia durante la primera mitad de 2014. La inversión en música grabada, ya sea en soporte físico o digital, ascendió entre el 1 de enero y el 30 de junio a un total de 58,08 millones de euros, una cifra que mejora en un 6,2% la registrada en idéntico periodo de 2013 (54,68 millones). La consolidación del streaming y la aparición de nuevos discos de artistas tradicionalmente vendedores están detrás de este primer dato positivo desde 2001.
La mejoría es todavía muy moderada para un sector que ha visto desplomarse su volumen de negocio en más del 80% en los últimos 13 años. Sin embargo, las cifras de 2014 son ascendentes tanto en los formatos físicos como en el consumo digital. La venta de CD y demás soportes tangibles (vinilos y DVD, sobre todo) se cifra en 32,1 millones, frente a los 30,1 de 2013 (un 6,5% más). La evolución es muy semejante en el ámbito digital, con un saldo positivo del 5,85% (de 24,5 a 25,9 millones). En consecuencia, el reparto entre el mercado físico y el digital sigue en una proporción casi idéntica de 55/45.
Los motivos de este comportamiento esperanzador del mercado se pueden deber a la cada vez mayor aceptación del streaming. Tanto la modalidad de suscripciones mensuales como la de consumo gratuito con inclusión de publicidad suben de forma similar. Los datos globales dicen que el streaming supuso unos ingresos de 18,9 millones de euros en los primeros seis meses de 2014, justo un 14% más que en la primera mitad de 2013 (16,5 millones de euros).

http://industriamusical.es/la-venta-de-musica-en-espana-crece-un-62-en-la-primera-mitad-de-2014/sthash.gUK0LFyd.dpuf#sthash.yrQwdRx3.dpuf

Es decir, que se nos presenta como positivo un crecimiento del 6% (tanto en soportes físicos como digitales), pero se olvida que en poco más de 10 años el volumen de negocio ha descendido más del…80%!!! De todos modos, en algunos lugares, en Catalunya, por ejemplo, hay datos que no son tan positivos: “los catalanes escuchan menos música y van a menos conciertos. La asistencia crece en conjunto, pero 7 de cada 10 no va a ninguna actuación” (Esteban Linés en La Vanguardia, 24 de julio de 2014, pàgina 31). O sea, los mismos que gastan un poco más, pero la mayoría se mantiene al margen… Un mal dato para el futuro. Hay más producción, pero menos facturación del sector…Más oferta, mucha de ella gratuïta, y en cambio menos público, terrible, ¿no? ¡Ah!, y la Generalitat, como el resto de administraciones públicas del Estado, ha recortado las ayudas públicas al sector…!!un 42,8%!! Muy malos tiempos para la lírica, como cantaban “Golpes bajos” con el genial Germán Copini a la cabeza.

Los conciertos, cómo gestionarlos: ¿caché, taquilla? Vuelven aparecer tímidamente algunos promotores, hay un exceso de festivales (algunos no llegan ni a la inauguración porque no venden entradas y han tenido que suspenderse, se va a la apuesta segura, este verano ha vuelto ni más ni menos que… Paul Anka!!), grandes carteles con abonos, los grupos noveles apenas cobran, son un relleno, las agencias de booking colocan paquetes, muchas dificultades para los independientes. El dinero público empieza a aflorar tímidamente, pero como hemos visto venimos de la peor época de recortes. Aunque nunca será como en los viejos tiempos en que los ayuntamientos pujaban entre sí para traer al artista del momento. El IVA cultural es criminal (21%), ha estimulado la economia sumergida o impide que vengan artistas de fuera. Patrocinios privados: bancos, empresas cerveceras, esponsorizan, los medios de comunicación afines los apoyan.

Uno de los personajes que más ha reflexionado sobre los cambios en el panorama musical desde la perspectiva del negocio es Diego A. Manrique, periodista musical de larga trayectoria, en sus artículos en El País y en su blog. http://blogs.elpais.com/planeta-manrique/

Diego A. Manrique
Diego A. Manrique

Aquí tenéis alguna de las joyas que he encontrado del autor:

En el mundo real
Diego A. Manrique

Justo cuando la IFPI difundía el informe que coloca a España en un lugar tan puntero, glorioso para muchos e ignominioso para algunos, un servidor visitaba las oficinas de una discográfica. Más exactamente, una distribuidora que también editaba discos con cuidados libritos (letras traducidas, explicaciones…). No es precisamente un palacio: media planta en un edificio periférico para uso industrial. Un montacargas de película de terror, techos altos, temperaturas bajas (“mejor no te quites el abrigo”) y media docena de personas trabajando.

¿La crisis? Ya apenas publican discos por su cuenta: “La mínima tirada serían mil copias y ni siquiera puedes colocar esa cantidad en los puntos de venta”. Las grandes superficies achican constantemente el hueco para la música y las tiendas pequeñas desaparecieron o tratan directamente con mayoristas europeos y estadounidenses. Aquí han reaccionado ampliando la oferta: importan elepés de vinilo y merchandising. “Funcionó al principio pero, en cuanto se enteran las multinacionales, te quitan el espacio con ofertas mejores para el minorista”. También distribuyen lanzamientos de diminutas discográficas nacionales. A veces, autoediciones de grupos o solistas que exhiben una visión ingenua del negocio musical: “Te piden que hagas promoción, que montes presentaciones. Y debes explicarles el abecé, que nosotros solo servimos los discos a la tienda. Han hecho mucho daño esas ficciones de disqueras omnipotentes, que cogen a un desconocido y lo llevan al Olimpo”

Inevitablemente, esta compañía se ha ido desplazando hacia la gama baja de los soportes físicos. “Son dobles CD que juntan tres o cuatro álbumes clásicos. O te presentan 50 temas seleccionados de un artista. Existe un buen mercado para estas recopilaciones baratas. Es mentira que haya desaparecido el comprador de discos”.

Hay truco, claro. Se trata de material con 50 o más años de antigüedad y que, por lo tanto, está en el dominio público: “Lo podrían hacer las multis, que eran las propietarias originales, pero no están interesadas. Ofrecen márgenes mínimos para ellas: prefieren la gama alta, las cajas de lujo”. Explican que esas recopilaciones no son necesariamente peores que las caras: “Vienen de Francia, Alemania o Reino Unido, donde hay gran tradición de sellos para coleccionistas, con especialistas que manejan mucha información. Ahora trabajan para un público más amplio y lo presentan con portadas simpáticas”.

Sin embargo, aquí recuerdan lo de “pan para hoy, hambre para mañana”. Están exprimiendo la edad de oro de la música grabada pero el futuro no resulta prometedor: “Una antología económica de Chet Baker tiene su sitio en una estantería de la Fnac, pero ¿dónde encuentras al Chet Baker del presente? Quizás no salga de Myspace”.

Soluciones de emergencia
Diego A. Manrique

“La próxima década habrá mutaciones que parecerán alucinaciones para los oídos. Ahora circula más música que nunca, un universo sonoro imposible de reducir a mapas manejables: el Salvaje Oeste para los derechos de autor, El Dorado para los melómanos. El mundo parece más pequeño, pero eso no resulta necesariamente más enriquecedor
No venden mágicas bolas de cristal en el chino de la esquina. Ahora mismo, pretender adivinar las formas del futuro en las músicas populares parece misión tan imposible como reconstruir la mezquita musulmana que se desmontó para elevar una catedral cristiana. Estamos todavía en los momentos posteriores al terremoto, noqueados y boquiabiertos. Todo el sistema para la producción, distribución y valoración de la música, perfeccionado a lo largo del siglo XX, se ha derrumbado o se mantiene precariamente.

Desaparecen o se encogen discográficas grandes y pequeñas, tiendas de discos, revistas musicales. Lo que queda del gran mercado está esencialmente en manos de multinacionales, con recursos suficientes para mantener la ficción de su dominio. Suyas son las divas que ejercen de iconos globales: Lady Gaga, Beyoncé, Amy Winehouse, Madonna, Rihanna.

Pero cuidado con las hipérboles. La interconectividad global no garantiza vasos comunicantes: se suponía que el Mundial de Sudáfrica iba a descubrirnos las riquezas culturales del país de Mandela y, ay, solo nos trajo la vuvuzela (y el waka waka digo yo). Obviamente, cualquier punto del planeta está teóricamente al alcance de nuestras teclas, aunque eso no disminuya la necesidad de intermediarios y prescriptores.

Las músicas que carecen de introductores se quedan en su gueto y pueden degenerar por falta de oxígeno

Vivimos en época de hiperproductividad. Y no me refiero únicamente a la multiplicación de lanzamientos, técnica aplicada incluso por las superestrellas, que buscan científicamente vaciar los bolsillos de sus fieles. Imposible controlar el flujo de casetes, vinilos, CD-R, vídeos caseros, directos, sesiones de disc jockeys, descargas que no tienen existencia física. El concepto jerárquico de output racionado ha quedado desbordado, los propios fans intervienen en el proceso.

El piélago de lanzamientos explica la ansiedad por rebobinar los grandes momentos pretéritos. Aunque ya han superado el punto de saturación, los discos de homenaje siguen funcionando para relanzar canciones y trayectorias.
Y si necesitan un adjetivo para caracterizar la próxima década, apuesten por “psicodélico”. Asistiremos a mutaciones que parecerán alucinaciones para los oídos.”

Por otra parte, y para alegrar tanto catastrofismo, ¿qué hay del regreso del vinilo y de las mencionadas “cajas” para seguidores incondicionales o regalos? ¿Qué tienen de malo?

Al final, como en casi todos los ámbitos de la cultura, siempre habrá consumistas puros que solo quieren “usar y tirar”, coleccionistas que comprarán hasta el último artículo de su artista preferido, apasionados pero comedidos que querrán tener en sus manos y por muchos años el CD/vinilo que tanto les gusta… y sobre todo mucha, mucha música de acceso gratuito en Internet que nos dará el poder de elegir lo que queremos escuchar y, si consideramos que vale la pena, comprar.

La masa es estúpida… pero en casa, frente al ordenador, somos individuos con libertad de escoger.

Diego Manrique

Supe que Prince había ofrecido un show en Lisboa. Una graciosa concesión de Su Majestad Púrpura: las entradas costaban 50 euros, la quinta parte de lo que pide por conciertos similares en EEUU. El marco, además, era espectacular: el Coliseu dos Recreios, un teatro de finales del XIX.
Considerando que Prince había vivido en España, lo entendí como un desaire (ya ven lo fácil que uno se deja llevar por ese orgullo tan español). Un veterano del negocio musical me tiró de las orejas. Según Emilio Santamaria, los números cantan. En España, el 31 % de cada entrada desaparece para satisfacer IVA (21 %) y Autores (10 %). En Portugal, sin embargo, son más razonables: 13 % de IVA, 8 % de Autores.
A eso hay que sumar alquiler del local, producción técnica, otros impuestos y dos partidas que no cuentan en el caso de Prince: la tajada del promotor (usa su propia organización) y la publicidad del acto (recurrió a las redes sociales). Aún así, el problema es de base. Recuerda Santamaria que —en Madrid, por ejemplo— carecemos de teatros como el Coliseu, con capacidad para 3.000 personas sentadas (y 4.000 si se quitan las butacas). Tendría que ser, aparte, un espacio abierto al rock: Prince se presentaba bajo el seudónimo de 3rd Eye Girl, al frente de un estruendoso power trio femenino.
Volvamos a las infraestructuras. En 35 años de democracia, enormes inversiones públicas se han materializado en ciudades de las artes, museos, palacios para la música clásica, instalaciones deportivas; en esto sí que hay unanimidad entre las administraciones de diferentes signos. Por el contrario, el pop y sus parientes siempre van de realquilados, encajados en polideportivos (o incluso en un circo). Y la opción de montarlo al aire libre, que es muy sano.
¿Estoy siendo paranoico?. No, hay una limitación absurda que revela su verdadera cara: Madrid fue pionera en prohibir la entrada de menores de 18 años en locales donde se hace música. Ya saben que los pequeños conciertos tienden a ser deficitarios: el negocio está en la barra. En Bélgica u Holanda, la edad mínima son los 16 años. En Francia o Dinamarca, no hay limitaciones: hasta los niños pueden acudir con sus padres. En general, las limitaciones son asunto de los camareros, no de los porteros.
Un exceso de celo, se me dirá. Uno se tragaba esta excusa hasta que llegó la catástrofe de Madrid Arena y nos encontramos un caso de libro de crony capitalism, capitalismo de amiguetes, el resultado de compadreos entre altos funcionarios y empresarios con pocos escrúpulos. También descubrimos una valoración moral de las diferentes músicas: para el Ayuntamiento, mejor las sesiones multitudinarias de techno que los esfuerzos de unos desharrapados tocando y sudando.

– VIAJAR, GASTAR, PAGAR POR TOCAR. Hace poco me pasaron este chiste por las redes sociales: el dueño de un bar llama al manager de un grupo y le dice: “Oye, ¿porqué no te traes al grupo a tocar gratis en el bar y así lo promocionas? Y el manager contesta: “¿perfecto, yo llevaré unas 200 personas y les invitas a copas y así promocionas el bar!” En el trasfondo del chiste lo que subyace es la dignidad del artista, del autor, el valor inmaterial de su trabajo (muy superior al valor material). Siempre digo lo mismo a los artistas que me preguntan. No actuéis gratis por principios, salvo cuando se trate de conciertos benéficos (y sepáis muy bien cómo se reparten los ingresos y a dónde van exactamente) cuando os interese realmente por la repercusión mediática que tiene el acto. Y menos pagar por tocar, como ocurre en algunos locales. Y ojo con los concursos, que pueden ser una manera perfecta de viajar y conseguir nuevos públicos pero a veces sólo son una tapadera para atraer público y “promocionar el bar” sin pagar nada a cambio. A veces es mejor empezar desde lo local, y ahorrar en gastos para desplazarse lejos. Hay que ir despacito, poco a poco, fuera la competencia es mucho mas feroz. Las redes permiten llegar muy lejos, ese es el objetivo. Identificarse con un lugar, una ciudad, una referencia geogràfica que pueda ser reconocida en el resto del mundo. Barcelona es para ello una gran marca en el mercado internacional (todo el mundo conoce al Barça, a Messi, a Gaudí…), y si es posible un local concreto, algún lugar que identifique al grupo, donde la gente te pueda ver habitualmente. Es más difícil al principio viajar, tiene costes elevados, seleccionar donde realmente vale la pena.

– Ámbito editorial: para los artistas y grupos que componen es una posible vía de ingresos ceder la explotación de los derechos de autor a una editorial que mueva el repertorio (si es posible a nivel internacional), conseguir una sincro, un hit para artistas consagrados, hay muchos campos en los que se puede ganar dinero si tienes apoyo de una multinacional, música para publicidad (cervezas, Estrella o San Miguel ya han hecho de sus canciones un elemento identificador, no siempre con el mismo éxito), para series, películas. Y con esos ingresos luego siempre es más fácil intentar un proyecto independiente como grupo o como artista. Pero también es lento y hay que tener paciencia.

– Concursos: empiezan a aflorar en España de nuevo, como hemos dicho tímidamente vuelve a aparecer moderadamente algo de dinero público: hay que cribar bien, para bandas emergentes, que al menos paguen los desplazamientos y que el caché del premio sea algo digno y tenga repercusión en los medios

4.- El marqueting y los medios de comunicación

– Los medios de comunicación y la música hoy: siguen pidiendo el DISCO/CD o Vinilo en formato físico. Los medios tienen sus propios intereses en el negocio musical, tienen relacines con las agencias de management, las multinacionales, las editoriales, las distribuidoras. Concentración de medios privados: ejemplo PRISA, EL PAÍS, la SER, los CUARENTA PRINCIPALES, antes CANAL PLUS (hoy en parte) y CUATRO TV (hoy MEDIASET), PRODUCTORAS DE CINE, DISCOGRÁFICAS, prefieren promocionar cantantes de su entorno empresarial, poco apoyo a la música independiente. Tan sólo los medios públicos (Radio 3, RTVE, la 2, hacen conciertos en directo a horas intempestivas pero lo cuelgan en sus webs gratuitamente y ofrecen oportunidades a los artistas noveles). En Catalunya TV3 y Catalunya Radio, aunque preferentemente apoyan a los grupos y cantantes en catalán.
Grupo Godó: Rac 1 (gran apuesta por la música en directo a horas de gran audiencia, siempre ponen música), Rac 105 y RAC 105 TV (grupos de aquí, aunque prefieren en catalán o los clásicos de siempre y los grandes hits internacionales, pero dan apoyo). La Vanguardia, mucho seguimiento de la música, grandes especialistas como Esteban Linés.
A3media (Antena 3, La Sexta, Onda Cero, La Razón) y Mediaset (Tele 5. Cuatro) poca apuesta por lo nuevo salvo los talent shows (donde normalmente participan cantantes, no autores ni músicos, pero hay excepciones).
Radiofórmulas como Kiss, Europa FM, Cadena 100. Los 40 Principales … normalmente apuestan por los consagrados, pero dependen de sus intereses comerciales también. Difícil que un tema de un grupo nuevo suene en las radios comerciales.

– VIDEOCLIPS: imprescindible, hoy no se concibe la música sin imagen, pero hay que explicar una historia, presentar algo que aguante un visionado completo en el Youtube, si es posible dos. Se pueden llevar a cabo proyectos modestos sin demasiado presupuesto y confiar en la expansión a través de las redes,. Aunque para hacer algo duradero que llame de verdad la atención normalmente se necesitan grandes presupuestos. En cambio, el videoclip oficial del hit de Coldplay “Sky full of stars” es… ¡una actuación en un programa de televisión de la BBC!. Bueno, bonito y barato. No es un videoclip pero sirve igual y ya lleva más de un millón de visitas.

– Las REDES SOCIALES: YOUTUBE, WEB, BLOGS; FACEBOOK; TWITTER; INSTAGRAM, DIFERENCIAS Y POTENCIALIDADES DE CADA UNA. La web de un artista es como su tarjeta de presentación, algo institucional, más estático. Puede servir para el merchandising, para escuchar en streaming, para colgar los enlaces. El Facebook es la red fundamental hoy en día, las fanpages son la manera más dinámica de crear una masa crítica de fans, hay que alimentarlo constantemente, es una red social y a la vez un fantástico medio de comunicación, hay que buscar las mejores horas, los mejores recursos, fotos, videos, contestar los comentarios y preguntas, llegan muchas propuestas a traves de la red de conciertos que luego se concretan o no. Twitter es básicamente un medio para informar y para promocionar y crear imagen de marca, para un grupo hay que estar pero no es la herramienta ideal. Quizá es mejor instagram y complementar las mejores fotos conectandolo al Twitter. Un blog no es imprescindible pues su función la cumple el facebook o la web (sí lo puede ser para un manager) , puede ser una webblog, es lo mejor para rentabilizar la web.

– Asociación a marcas, a ONG’s o proyectos sin ánimo de lucro, deportivos, culturales

La asociación con una marca de manera estratégica aporta valor positivo a ambos, al artista y a la marca. Hay que buscar la marca ideal que encaje con el artista y establecer sinergias sin que ninguna de las dos partes se coma a la otra, la desborde, que haya un equilibrio.

También puede ser útil el denominado “marqueting social”, siempre que se haga con transparencia y sin esconder intereses espúrios. Asociarse a proyectos benéficos que no aportan dinero pero sí valor positivo a la imagen del artista y promoción gratuïta y permiten vender merchandising, darse a conocer, aparecer en medios. O a otras entidades (clubs deportivos no profesionales, vinculados al target del grupo o artista, actividades culturales…)

5 – Conclusiones

Nos cuenta Gonzalo Gómez, especialista en publicidad en el campo musical:

http://(http://industriamusical.es/en-el-negocio-de-la-musica-lo-anterior-tampoco-fue-facil/?utm_content=bufferbf263&utm_medium=social&utm_source=plus.google.com&utm_campaign=buffer#sthash.FbVcZNMf.dpuf

Las ventajas de entonces, son barreras hoy:

1. El talento ya no es garantía de éxito y la competencia es infinita

2. No hay riesgos que valgan, sólo hay inversión cuando hay consumidores y demanda de un producto.

3. El consumidor digital es maduro y no va a esperar a que la industria se re-invente

Pues bien, ya hemos pataleado suficiente, ha llegado el momento de activarse, innovar y aprovechar las nuevas oportunidades que ofrecen internet y las herramientas digitales. Con el talento siempre por bandera, la industria de la música debe arriesgar, perseverar y construir con todos los recursos que tiene a su alcance. No olvidemos que los que antes lucharon tampoco lo tuvieron fácil.

Estas son mis conclusiones particulares, para acabar

1.- La misión de ganarse la vida con la música es difícil, pero no imposible

2.- Se precisan cambios legislativos necesarios y urgentes para reducir y castigar la piratería, modificar a la baja el IVA cultural,…

3.- Hay que plantear un nuevo modelo de afrontar el negocio: no basado tanto en las ventas de discos físicos, ni en las descargas digitales legales (aunque también), y en cambio apostar más por el rendimiento del streaming, de otros ingreos. Y debe comportar también un cambio de paradigma en los medios de comunicación, que entiendan que el modelo ha cambiado, y que se adapten a los nuevos tiempos.

4.- La crisis dejará el mercado sin clase media, prácticamente, con artistas locales y artistas internacionales de primera fila, y una clase proletaria que NO podrá vivir de la música (ni tan sólo malvivir), sino convertirla en una actividad complementaria a otras cosas relacionadas o no con el sector. Ahora bien, hay que ampliar las franjas por arriba hacia abajo, y por abajo hacia arriba, para recuperar el terreno perdido.

5.- Siempre existirá la música, porque existe la inquietud artística y existe la necesidad emocional de recibir impactos sentimentales a través de las canciones. La música nos acompaña en los momentos más importantes de nuestras vidas (a mi hijo mayor cuando lo tuve en brazos por primera vez le canté una canción al nacer, fue lo primero que escuchó), en las bodas y en los funerales. La gente identifica la música con sus estados de ánimo o incluso genera estados de ánimo a través de la música, establece relaciones de todo tipo entre las personas, todos tenemos una banda sonora que acompaña nuestra vida y asociamos canciones a momentos concretos de nuestra existencia.

6.- La Imaginación al poder. Buscar recursos donde no los hay, promoción en las redes, merchandising, abaratar costes, luchar contra la estructura del mercado, los intereses espúreos, la corrupción también existe en este mundo. Las redes son básicas para un crecimiento lento pero sostenido de una masa crítica cada vez más extensa numérica y geográficamente. Utilizarlas de manera inteligente y aprovechar que no necesitan invertir apenas dinero.

7.- Al final, yo creo que el talento casi siempre triunfa, aunque a menudo tarda demasiado, y a veces ya es demasiado tarde. Antes era siempre, ahora no. Pero hay que seguir en la lucha.

Como cantaba Neil Young…”Rock’n roll is here to stay, Rock’n roll can never die.” Aunque “it’s better to burn out than to fade away”, (mejor quemarse que desaparecer), frase que más tarde dejó escrita en una nota Kurt Kobain (Nirvana) antes de suicidarse.

O sea que vosotros mismos, OPTIMISMO MODERADO O PESIMISMO NO CATASTROFISTA (EL VASO MEDIO LLENO O MEDIO VACÍO)

GRACIAS POR ESCUCHARME

7 comentaris a “¿Se puede vivir de la música en el Siglo XXI?”

  1. Hola, genial artículo, muy completo!
    Estoy de acuerdo en que es una trampa el DIY. Un artista es imposible que tenga que ocuparse de todo él mismo, OJO la autogestión no implica que lo tenga que hacer todo el artista pero SI que tome el las decisiones y se haga con el fruto de su propio trabajo.
    Saludos

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